Archives : Films

Italie, Roccascalegna 1992. Plusieurs femmes racontent leur vie amoureuse à un Corbeau Parlant et… au sombre et célèbre Baron Corvo de Corvis, personnage légendaire du XVIe siècle qui vient de réapparaître miraculeusement dans l’enceinte de son château en ruine. Depuis son retour, le Baron n’a qu’un seul désir : rétablir le droit de cuissage qu’il avait institué dans son village de la région des Abruzzes sans pouvoir jamais l’exercer… « Les premières images datent du mois d’avril 1986 tournées lors du mariage de Mario et Gigliola. En 1988, Mario meurt d’un infarctus. Sottovoce s’inspire de ces événements ainsi que du récit de plusieurs femmes de Roccascalegna dont celui de Gigliola, la jeune veuve. J’ai écrit en pensant aux lieux et aux gens qui ont interprété mon film : les habitants de Roccascalegna (surtout des gens de ma famille, beaucoup d’amis). Il n’y a donc pas eu de casting, ni de véritable distribution de rôles. Il y a surtout des personnes face à la caméra quasi immobiles. Sottovoce est bien sûr une quête des origines, mais c’est aussi et surtout un parcours mi-carnavalesque, mi-sociologique à travers un monde rural en mutation. Un monde où l’importance de la parole, même à voix basse, équivaut à un besoin, une urgence de choisir, de dénoncer et de se définir. C’est du moins ce que j’aime croire. » (Claudio Pazienza)

Claudio Pazienza est né à Roccascalegna en 1962 et vit en Belgique depuis l’âge de six mois. Réalisateur autodidacte, Sottovoce est son premier long-métrage, après plusieurs court-métrages et des études d’ethnologie. Il a fondé en 1988 sa société de production Qwazi Qwazi Film. Il prépare et coordonne actuellement une soirée thématique sur la Belgique pour Arte (diffusion prévue en mars 1997). Enquête à plusieurs facettes sur ce pays, pour laquelle il réalise un long-métrage, inspiré métaphoriquement par le tableau de Pieter Brueghel l’Ancien Paysage de la chute d’Icare.

Claudio Pazienza avec Sottovoce explore une forme originale, la fable documentaire. Une démarche passionnante car elle renouvelle et questionne la « restitution spectaculaire » du travail anthropologique. En jouant sur l’entrelacs du recueil de témoignages des villageois(es) et leur mise-en-scène en « tableaux vivants » de scènes symboliques relatives à la légende fondatrice et à la coutume. À travers ce mode d’exposition, le spectateur est libéré à la fois du commentaire à vocation explicative et de la prétention des images à se « commenter elles-mêmes ». Ce n’est pas un hasard si Sottovoce est le fruit d’un long processus d’élaboration et de maturation basé sur un travail ethnologique réalisé par l’auteur à propos des rituels nuptiaux d’Italie centrale. In fine, Sottovoce est un film d’une complexité subtile dans lequel le spectateur se trouve à la bonne distance : proximité et perspective.

Depuis trois éditions (les Territoires de la Mémoire, Voix-Musiques-Sons et maintenant Méditerranées) un des films du cinéaste batave (au moins) s’impose dans la thématique. Nul fétichisme ici mais les quelques considérations qui suivent. Comme beaucoup de grands documentaristes, il fut d’abord photographe. La musique de Willem Breuker y est toujours, de façon aussi exquise, à sa place. Si tout film est « une représentation » du monde, il est d’abord du temps d’où affleure une réalité « documentée ». On peut suivre Van der Keuken dans ce « road-movie engagé » d’Amsterdam à la Haute-Égypte selon sa méthode et son éthique « je suis un homme s’avère-t-il, voyageant dans ma tête immobile ». Le film datant de 1980, a-t-il vieilli ? Sans nul doute. Mais comme notre vieux monde patine lui aussi, on ne s’étonnera pas, à travers mouvement squatter, occupation d’église par des ouvriers marocains, évocation de la fin du monde paysan, omerta de la N’dranghetta en Calabre ou bidonvillisation du Caire, d’y trouver quelques correspondances avec notre actualité. Avec une morale de la réalisation qui affiche ses intentions et ses procédés.

Un panoramique complet et complexe mais toujours lumineux de l’histoire de nos représentations de l’Orient. En remontant aux territoires de l’imaginaire biblique, en évoquant les croisades, la Méditerranée du XIe siècle « lac arabe et turc » et les différentes phases d’évolution de la fascination orientaliste. Laquelle va progressivement se dissoudre et se muer, de l’expédition d’Égypte à l’effondrement de l’Empire ottoman, dans l’esprit de conquête, la vampirisation coloniale et l’exportation de « Ia modernité ». Une saga dialectique des idées, de l’esthétique, de la spiritualité, des enjeux géostratégiques et économiques. Ou comment faire évoluer notre regard sur un « autre » intime et refoulé.

Pierre Zucca trouve ici une forme riche, prolixe, profuse en signes, paroles et représentations pour nous narrer cette traversée du Miroir d’un Imaginaire : contes, récits de voyageurs, tableaux et gravures, prises de vue réelles in situ, témoignages, extraits de films, musique, archives, architectures.

Comme un labyrinthe où s’étire le fil d’Ariane ďune pensée intelligible et où sont notamment invités dans ce « casting » étonnant : Schéhérazade, La Flûte enchantée de Mozart, le Voyageur de Bordeaux, Bonaparte, Youssef Chahine, Chateaubriand, Turner, Victor Hugo, Karl Marx, Edgar Pisani, Delacroix, l’orientaliste Maxime Rodinson, la danseuse orientale Leïla Haddad, Kandinsky, Klee, Matisse…

« Il y a deux Orients : celui de nos rêves, et un autre qui vient le détruire, la modernité ».

Ahmed Essyad, compositeur de musique contemporaine, est né près de Salé au Maroc. Non loin de là, il y avait un mausolée isolé, « refuge des femmes battues et des schizophrènes ». Son père, « un soufi », l’y emmenait, quand il était enfant, contempler la mer et observer les pêcheurs. Il découvre dans ses dernières années lycéennes, le conservatoire et Bach interprété au violoncelle. Puis Max Deutsch, son « maître » au tout début des années soixante). S’ensuit une carrière, les étapes d’une création… et un nécessaire retour aux sources : « la musique occidentale n’était pas mienne, il fallait que j’y vienne et aller toujours ailleurs pour trouver un matériau nouveau pour enrichir ma manière de dire ». C’est dans l’écoute d’un chant « douloureux, insupportable » l’Ahwach des femmes du Haut-Atlas qu’il est parti se ressourcer…

Réalisateur né en Tunisie en 1952, Mustapha Hasnaoui, consacre sa démarche documentaire à d’autres créateurs : Mehdi Qotbi, peintre, des écrivains égyptiens… Il construit ici une symphonie d’images dont la minéralité, le hiératisme entre en parfaite symbiose avec la rugosité du chant, la quête mystique, l’itinéraire intérieur du compositeur. Et accouche en douceur, sa parole, ses introspections. Ce portrait offre en outre un étonnant aller-retour dans le dialogue des cultures et leur mutuel enrichissement. Quand les musiciens berbères entendent une des compositions d’Essyad qu’ils pensent inspirée de leur tradition, ils questionnent : « Mais où est notre musique ? », « Votre musique demeure en vous comme la mienne demeure en moi » répond Essyad.

« Même les oiseaux chantent pour marquer leur territoire »

Quand on a devant sa caméra une personnalité « habitée » par la création, la curiosité, la recherche permanente comme Giovanna Marini, ethnomusicologue, chanteuse, compositrice, femme engagée, la discrétion s’impose. C’est le parti pris par le réalisateur, Christian Lorre qui ne charge son film d’aucune marque personnelle mais laisse entendre une parole, riche, passionnante, conteuse, infiniment stimulante. Passer une heure avec Giovanna Marini donne l’impression singulièrement requinquante de devenir savant, de se découvrir des émotions refoulées avec en prime le sentiment que l’intolérance et la bêtise n’ont jamais pu exister. Nous vous laisserons donc savourer son humour ravageur quand elle narre le rituel des deux bœufs. Traverser l’échine d’un étrange frisson à l’écoute de la chorale sarde du berger Peppino Marotto d’Orģosolo. Découvrir sans voyeurisme des rites qui relèvent de la transe. Pasionaria tranquille de l’interprétation subtile des traditions qu’elle écoute « avec une avidité rapace », Giovanna Marini en ressort de son alambic un nectar de création contemporaine où l’émotion le dispute à la jubilation.

La culture corse n’est ni la première ni la dernière à se voir défigurer par le miroir déformant de l’actualité à grand spectacle. Qu’elle nous semblait bien plus aimable enclose dans ses clichés « d’Île de beauté », avec son « petit caporal » et son chanteur glamour perpétuant comme d’un disque rayé les Noëls de sa ritournelle éternelle ! Derrière cette insularité, cette histoire traversée de mille prédations, la rugosité et la frugalité d’une économie pastorale et montagnarde originelle, il sourde une profondeur incandescente à découvrir. La vogue « world music » le permet avec le succès de I Muvrini ou d’A Filetta. Par la « modernisation » de la polyphonie Corse (la paghjella) opérée avec la complicité d’Hector Zazou ou dans l’étude savante des chants sacrés par Marcel Péres et l’Ensemble Organum. Une création inscrite dans la contemporanéité comme dans les pas de la tradition est aussi possible dans l’hybridation. Comme le prouve cette adaptation filmique par Jacques Malaterre du spectacle A Mossa, où se tisse en résonance avec les polyphonies, la création chorégraphique de Jacques Patarozzi, ancien danseur de Pina Bausch. Rituels de vie, rituels de mort, jeux et banquets, coutume de la vendetta s’y évoquent à la nuit ou sous le soleil écrasant, sur des places de village ou des promontoires surplombant la mer…